martedì 4 giugno 2013

Luci ed ombre nella Tempesta

Tra i tanti artisti che hanno lasciato un segno indelebile nel Rinascimento italiano, vale a dire il periodo storico a cavallo del XV secolo, troviamo una figura che ho sempre ritenuto essere particolarmente affascinante. Di lui non sappiamo molto, se non ciò che ci è stato tramandato da quei pochi scritti che sono giunti fino a noi e che ne testimoniano la presenza  nello scenario veneziano di quegli anni. Il suo nome era Giorgio Gasparini, ma forse è meglio chiamarlo qui con lo pseudonimo con il quale è meglio conosciuto, vale a dire Giorgione.
Nonostante l’ enorme popolarità, la sua è una delle figure più enigmatiche della storia della pittura: non se ne conoscono le origini, non si hanno notizie sugli anni della sua giovinezza e non se ne conosce l’educazione. È come si fosse materializzato improvvisamente su questa terra, come fosse giunto dal nulla e, nel giro di pochi anni, sia riuscito a dipingere alcuni tra i capolavori più ricercati, capolavori che tuttora occupano un posto d’onore nei più importanti musei del mondo. Dopodiché egli scompare, poco più che trentenne, si dice a causa dell’epidemia di peste che infuriò a Venezia nel 1510. In realtà, le opere a lui attribuite sono solo frutto della deduzione degli studiosi, visto che Giorgione non firmò nessuno dei suoi quadri, il che aggiunge un pizzico di mistero ad una figura di per sé già profondamente misteriosa. Ma non è tutto: i soggetti rappresentati sui dipinti a lui attribuiti sono tra i più criptici dell’epoca e, per secoli, sono stati oggetto  di innumerevoli tentativi di interpretazione. Tra le tante, l’opera più enigmatica è senza dubbio un olio su tela, di datazione incerta, conservato nelle Gallerie dell'Accademia a Venezia: la celeberrima “Tempesta”. Lo scopo di questo articolo è cercare di leggerne il significato nascosto e per fare questo ho chiesto aiuto alla mia collega blogger Marcella, che già in passato mi ha seguito con entusiasmo in un altro progetto simile a questo.

Quello che salta all’occhio guardando “La tempesta” nella sua interezza è l’alta irrealtà delle scena dipinta: un uomo vestito osserva una donna seminuda che allatta un bambino. I due personaggi sono ben lontani l’uno dall’altro, accanto agli estremi della tela. Li divide un corso d’acqua. In lontananza un ponte e una serie di edifici sbiancati da un fulmine leggero che taglia le nuvole scure. Un terzo “personaggio”, quasi invisibile, è un uccello posato su un tetto. Una situazione assurda che non può che essere interpretata in chiave allegorica, ed è proprio questo che cercheremo di fare.
Nel 1530 un famoso letterato e collezionista veneziano, Marcantonio Michiel, descrisse il dipinto con queste parole: un "paesetto in tela cun la tempesta, cun la cingana et soldato”. Egli pare non essere affatto colpito dai tanti elementi anomali del “paesetto”. Vede un giovane con un lungo bastone e un abbigliamento che potrebbe benissimo essere un uniforme quattrocentesca. Ergo è un soldato. Vede una donna seminuda che porge il seno ad un bambino. Ergo è una zingara. Ma quando l’immagine ha tante, troppe, indicazioni straordinarie, solo un Michiel può non pensare ad un’allegoria, ad un messaggio criptico.
Nel 1978 uscì un libro dall’ottimistico titolo “La tempesta interpretata” di Salvatore Settis, dove l’autore lesse il dipinto come la maledizione di Dio che si abbatte (il fulmine) su Adamo (l’uomo dal lungo bastone) ed Eva (la donna che allatta). Movente di questa interpretazione è un bassorilievo di Giovanni Antonio Amedeo che, a prima vista, presenta una certa affinità con l’opera giorgionesca. Adamo, nel rilievo, è anch’egli, come l’uomo della tempesta, alla sinistra del quadro, anch’egli regge un bastone (ma è evidentemente una zappa) ed Eva, che tiene tra le mani un bambino, è seduta nella parte destra. Ma le somiglianze sono tutte qui. I due personaggi, nell’Amadeo, sono talmente vicini che il piede di Eva quasi tocca quello di Adamo. Nella Tempesta la distanza tra i due attori è portata all’estremo e un fiume li divide. Nel rilievo tra i due personaggi appare Dio, a figura intera, dominante. In Giorgione Dio non si mostra.

Palma Vecchio, Alabardiere con giovane donna seduta, 1510 ca
Un altro studioso, Edgard Wind, notò nella Tempesta una forte similitudine con un paio di dipinti raffiguranti il riposo della Sacra Famiglia durante la fuga in l’Egitto. Anche in quelle rappresentazioni era visibile un uomo (un soldato) con in mano un bastone (una lancia) e una donna con bambino seduta e abbigliata come una zingara (una mendicante). Nel primo dipinto, attribuito ad anonimo, appaiono tre figure immerse in un paesaggio: sul lato sinistro c’è una donna seduta a terra nell’atto di sorreggere un bambino in piedi accanto ad essa. Lo sguardo della donna fissa un soldato in armatura in piedi sul lato destro del dipinto. Per Wind si tratta di un’allegoria della forza (il soldato) e della carità (nella tradizione romana la carità era rappresentata da una donna che allatta). Un secondo dipinto, attribuito a Palma Vecchio, è ancora più chiaramente una rappresentazione della sacra famiglia, visto che assieme a Gesù è ritratto il piccolo Giovanni Battista. Anche qui Giuseppe indossa un’armatura e Maria, seduta, osserva il gioco dei due piccoli indossando una specie di turbante da zingara.
La similitudini però anche in questi due casi si fermano ai personaggi: un uomo in piedi e una donna seduta il cui sguardo, tra la altre cose, nella Tempesta è rivolto verso l’osservatore anziché verso il suo compagno.

E quindi? Quindi vale la pena di soffermarsi sugli elementi di contorno che sono quelli in cui è forse nascosta la vera chiave della Tempesta. La scena è divisa da un corso d’acqua scavalcato da un ponte e questo è il primo indizio della natura “bipolare” del dipinto. A sinistra troviamo un nucleo di significati, a destra un altro. Immaginiamo che il Giorgione abbia disegnato una linea verticale, mediana, nello schizzo preparatorio: la linea centrale corre, idealmente, al centro esatto del quadro e lo divide in due settori. Essa coincide con la più grande e vistosa fessura del rialzo di terra su cui siede la donna, quindi divide in due parti uguali la campata centrale del ponte e corre esattamente in mezzo alle due torri gemelle sullo sfondo. Indicazioni così geometricamente rigorose provano che l’esistenza di linea centrale non è completamente campata in aria. Il corso d’acqua infine serpeggia tra i due settori, s’incunea ora nell’uno ora nell’altro a simboleggiare la compenetrazione di due elementi distinti. Ma quali sono questi due elementi? Quali differenze tra la parte sinistra e la parte destra della tempesta?

Analizziamo con attenzione la parte sinistra. Vicino al bordo appare un personaggio maschile, vestito, che nella mano sinistra stringe una lunga asta. Alle sue spalle un muretto (o quello che ne resta) sul quale sono posate due colonne recise. Più dietro ancora, oltre la vegetazione, vi sono dei ruderi dalle vistose crepe. Osserviamo gli alberi: in questo settore appaiono esili, malati, forse morti. I cespugli sono bassi e radi. Le foglie sono ingiallite, autunnali. La terra è secca, non c’è vegetazione ai piedi dell’uomo. Tutto in questo settore parla di morte. Come l’autunno che precede l’inverno qui sono rappresentati i giorni che precedono la morte. Quella lunga asta nella mano dell’uomo non è un arma e nemmeno una zappa o un qualunque oggetto che possa vere una utilità pratica: è semplicemente un bastone, lo stesso bastone che presumibilmente un giorno lo sorreggerà nella sua vecchiaia. Lo sguardo dell’uomo è rivolto verso il lato destro del dipinto, quasi ad invidiare qualcosa che nel suo lato non è presente. Sul volto un’espressione  malinconica. Il lato sinistro si può quindi interpretare come il lato oscuro, il lato negativo, il lato della Morte, tutto l’opposto del lato destro, dove invece…… invece…. ma di questo vi parlerà meglio Marcella nel suo “post gemello”. Continuate quindi a leggere qui.

Il “corso d’acqua che serpeggia tra i due settori e lì, infine, ad agire da vero protagonista e a simboleggiare la compenetrazione di due elementi distinti: la Vita e la Morte. Tutto si compenetra, niente è nettamente diviso, sembra suggerirci Giorgione: il fiume che porta acqua pura e trasporta anche acqua insalubre; il ponte che lega le due parti opposte e contrastanti del quadro. Un ponte che è un passaggio a due sensi: dalla vita alla morte o viceversa; il ponte è una congiunzione e, forse non è un caso che quasi a metà del ponte si schianti un fulmine, simbolo della ineluttabilità della morte nella vita e della nascita nella morte. 

Giorgione, La Tempesta, 1506 ca

17 commenti:

  1. Innanzitutto complimenti per il blog, che ho scoperto solo di recente! E poi, nello specifico, grazie per questa curiosa lettura della Tempesta: a scuola dovetti imparare qualcosa come sette diverse interpretazioni del dipinto, ma non conoscevo questa particolare lettura, che, però, mi sembra davvero accattivante e realistica. Davvero un bel post. Cristina

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    1. Grazie per i complimenti e benvenuta sul blog ^^ - La Tempesta è un quadro che è stato effettivamente interpretato in mille modi diversi ma tutti, a mio parere, campati per aria. Anche l'interpretazione che hai appena letto qui sopra, in realtà, ha diversi punti deboli, ma ci piace pensare di essere sulla strada giusta...

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  2. Ti rinnovo i complimenti, te li ho già fatti sul blog di Marcella ma te li rinnovo volentieri.
    Un bel lavoro di Cultura con la "C" maiuscola.

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  3. Ma tu pensa, credo di non averlo mai visto. O forse non me lo ricordavo. Un gran bel quadro, e complimenti per l'analisi! Andrò a leggere il post gemello.

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    1. E' un quadro che secondo me, una volta visto, non si dimentica. Lascia una sensazione strana, come se stesse cercando di dirti qualcosa.... mah!?!

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  4. Faccio anche a te i complimenti che ho fatto a Marcella; i quadri di Giorgione sono davvero interessanti, oltre che belli.

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    1. Grazie. Anche da parte di Giorgione. :-))

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  5. I apologize for a comment in English but I would like to draw your attention to my interpretation of the Tempesta as Giorgione's unique version of "the Rest of the Holy Family on the Flight into Egypt, a very popular subject at the time. This interpretation identifies all the elements in the painting and fits them together better than any prior analysis. It is interesting that both of the paintings cited by Edgar Wind for their resemblance to the Tempesta are versions of the flight into Egypt. Please see my interpretation at http://giorgionetempesta.com/?
    page_id=12.

    Dr. Francis P.

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    1. Wow! Welcome to my place, Dr. Francis. I well know the website you are mentioning, as well as the blog named after it. I do believe you did a very excellent job collecting such a huge amount of information about the Giorgione's painting. Your analysis is definitely the most accurate I ever read and surely you came to the most likely end. Nevertheless I keep thinking that there is something more behind it. What is the meaning of those so well-noticeable differences between the two halves of the "Tempesta"? Why one side is so dark, as opposed to the other one which is so bright?

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  6. I'm glad to hear that you are familiar with my sites. But since you find my analysis so accurate, why did you not even mention it in your post?

    I can think of a number of reasons for the "light and dark" halves. In my paper I argued that the background of the painting is dark because the city is engulfed by a storm both physical and metaphorical. It is the place of the massacre of the innocents as well as the siege of Padua.

    the foreground is bright and serene because the Holy Family has come to a place of safety. Moreover, the Madonna as the Immaculate Conception is clothed with the Sun. If you go to Giorgione et al...and search for Patenier, you will see that he also painted a rest on the flight into Egypt with dark clouds in the background.

    Again, thanks for your interest and pardon my use of English,

    Francis

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    1. Actually I wasn't referring to background and foreground. When I said "two halves" I meant left side (the dark one) and right side (the bright one). Can you see what I mean?

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  7. Obsidian:

    I'm sorry but I do not see a dark side representing death, and a light side representing life in the Tempest. Nor do I believe that Giorgione intended to divide the picture down the middle.

    The nursing woman on the right side is obviously the focus of the painting and Giorgione put a veritable spotlight on her and her child. But the man on the left is well lit as evidenced by his bright white shirt and colored pants. Even the broken columns are well lit. Indeed, the man on the left is acting as an "interlocutor" drawing the viewer's attention to the Woman and Child.

    Francis

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    1. Different Opinions Make Life Interesting! Many thanks for your contribution.

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  8. Ho segnalato questo post nella rubrica "Owl Prize" del mio blog (http://athenaenoctua2013.blogspot.it/2013/07/owl-prize-2.html)! Spero ti faccia piacere! Un saluto. Cristina

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    1. Se mi fa piacere? Certo che mi fa piacere! Evviva! Grazieeeee!!! Per dovere di completezza (e di correttezza) dovresti però citare anche l'altra metà del post che è apparso contemporaneamente sul blog Kokoro, dove si cerca di interpretare la metà destra del dipinto (i due post sono solo apparentemente uguali, ma prendono una direzione diversa verso la metà per poi ricongiungersi nel finale). Il link esatto lo trovi sopra nel testo. Grazie ancora per la menzione!

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    2. Fatto! Grazie della segnalazione, ho aggiornato il post, come era effettivamente giusto fare! Avviso subito Marcella! Complimenti ancora per l'articolo!

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